J’ai rencontré Ivan Jacquin lors du festival Texte & Bulle à Damparis (Jura) où nous dédicacions nos œuvres respectives. Nous avons passé quasiment 48 heures non-stop à papoter musique. Je lui ai avoué ma méconnaissance du genre qu’il pratique au sein d’une multitude de groupes et que je qualifierais de « métal symphonique » par manque de repères. L’ayant sollicité pour backstage, il m’avoue que son vrai job est à l’opposé de ses activités artistiques (« c’est vraiment les deux extrêmes ! »). Or, j’ai trouvé des passerelles entre son « vrai » métier de technicien approvisionnement et logistique chez un fabricant de matériel agricole et son activité-loisir de chanteur-compositeur-claviériste. En effet, il faut être un véritable chef d’orchestre logistique pour livrer des pièces dans le bon timing pour un tracteur ou susciter une émotion sur scène. Le processus mental reste le même : transformer un potentiel chaos en un système organisé et performant !.
Q. En préambule à notre échange, tu m’as raconté que c’est le piano qui t’as amené au métier et réciproquement. Incroyable !
R. J’ai un parcours professionnel atypique, puisque j’ai commencé ma carrière comme prof de piano. J’ai fait le conservatoire, mais je n’ai jamais fait d’études pour devenir professeur. En tant qu’objecteur de conscience dans un centre éducatif pour déficients visuels et aveugles sur Besançon, j’ai été pris comme remplaçant lors d’un congé maternité. J’ai été aussi moniteur de colonie de vacances, pion, etc., car la fonction couvrait beaucoup d’activités. J’y suis resté cinq ans et après, je me suis mis en profession libérale pendant trois ans supplémentaires. Or, en étant à mon compte, les affaires n’ont pas très bien marché. Je me suis endetté, donc j’ai vite arrêté l’activité. Après quelques galères de chômage, j’ai été chauffeur-livreur chez un grossiste en matériel électrique par le biais d’un copain musicien. Dans une autre boîte, on m’a demandé si cela m’intéresserait de devenir acheteur. Je sortais d’un cursus technique, après un bac électronique. J’ai débuté une fac de sciences sans grand résultat. J’ai appris le métier comme un challenge, tout seul, en étant formé, car je n’avais jamais étudié pour être acheteur, approvisionneur, stockiste, et donc logisticien..
Q. Gestion de flux | En logistique et approvisionnement, tout est question de timing et de séquençage. Un retard sur une pièce bloque toute la chaîne de montage. Or, composer un album de métal symphonique, c’est aussi gérer une “chaîne de production” complexe avec des spécificités bien précises (orchestrations, chœurs, guitares, chant). Tu appliques probablement la même rigueur pour t’assurer que chaque “composant” musical arrive au bon moment dans le mixage en ordonnançant les fréquences et les instruments pour éviter le goulot d’étranglement sonore ?
R. C’est toi qui m’as fait réaliser le truc. C’est vrai que je n’avais pas fait vraiment de comparaison entre les deux, mais on peut effectivement comparer la composition d’un morceau à une ligne de montage. Je compose au départ dans ma tête, puis je passe au séquenceur de synthétiseur, sur le logiciel de MAO (Musique Assistée par Ordinateur) et Cubase. Je place la ligne de batterie, la basse, la guitare. Un enchaînement d’éléments se met en place petit à petit pour aboutir à un morceau brut, un peu comme une carcasse de machine. Puis, je place tous les arrangements autour, une nappe de synthétiseur qui va se décliner en violon, en violoncelle, en flûte. Et c’est vrai que ça peut se comparer à une ligne de montage, tu as parfaitement raison.
Q. Amélioration continue (le « lean management artistique ») | J’imagine que le métier d’approvisionneur consiste à disposer du bon stock au bon moment. Dans le genre musical que tu pratiques, le risque est peut-être la surcharge sonore. Ton esprit logistique ne t’aide-t-il pas inconsciemment à trier : quelle banque de sons est la plus efficace ? Comment obtenir un rendu épique sans gaspiller d’énergie créative ni de puissance de calcul en utilisant l’informatique ? N’est-ce pas de l’efficience opérationnelle appliquée à la création ?
R. J’avoue que je suis un peu brouillon au départ quand j’ai des idées de morceaux, je vais tout de suite empiler les éléments, en mettre beaucoup et partout. Ensuite, je ne sais pas si c’est mon esprit de logisticien qui se met en marche. Je n’en ai pas conscience, mais c’est vrai qu’à la fin, je suis obligé de faire une sélection, d’enlever ou d’ajouter des choses pour que le morceau fonctionne. Au départ, c’est toujours ultra chargé parce que je fonctionne à l’instinct et ensuite, c’est presque mathématique : il faut considérer le problème de fréquence, car beaucoup d’instruments sont dans les mêmes fréquences. Je pense aux voix, aux violons, violoncelles, même les guitares électriques ont parfois des fréquences similaires à des voix. J’essaie de retirer des choses qui font double ou triple emploi, du point de vue des fréquences ou des sonorités, pour qu’il ne reste qu’une ou deux bases de fréquences afin d‘éviter une surcharge sonore et conserver un ensemble mélodique harmonieux au final, même si c’est du métal. Je ne vais pas faire du death metal, ni du trash metal. Le tri, l’affinage, l’amélioration en continu vient de là, je pense : enlever tout ce qui est trop chargé dans certaines fréquences pour alléger la composition. En tous les cas, mon rêve serait de travailler avec un vrai orchestre, peut-être pour le 3e volet de Foreign Rock Opera.
Peut-être qu’on peut assimiler cela à de l’amélioration de processus effectivement, puisque je fais appel à des regards extérieurs qui justement donnent des avis à la fois critiques, mais surtout très constructifs. C’est mieux parce que j’enregistre pratiquement tout seul maintenant dans mon propre studio. L’affinage est venu graduellement. Au départ, je composais en solo pour les groupes dans lesquels je jouais. Or, quand tu es cinq sur scène, tu ne peux pas tout faire, même en programmant des séquences au synthé. Rien à voir avec le travail en studio. Même si j’ai toujours eu le sentiment que ma musique valait la peine d’être écoutée et diffusée, il m’a été nécessaire d’accepter les critiques. Aucun souci d’ego mal placé. Pour le mixage, par exemple, j’ai pu bénéficier des conseils de Markus Teske, un pro des studios en Allemagne, qui m’a proposé divers mix à partir de mes sources, pour épurer le son et bien distinguer les instruments, ce que tu avais bien remarqué sur le 2e volet de Foreign Rock Opera sans être musicien toi-même..
Q. Sens de la planification | Travailler pour un manufacturier agricole impose de tenir un calendrier rigoureux. À l’opposé, sortir un album ou organiser une tournée demande une rétro-planification complexe (enregistrement, pressage, promotion, répétitions). Là où certains artistes se laissent porter par l’inspiration (au risque de ne jamais finir), je pense que tu utilises tes réflexes de gestionnaire projet en transformant une vision artistique en un plan d’action jalonné, garantissant que le projet arrive à bon port ?
R. Je dirais presque que c’est l’inverse : c’est le fait que je sois habitué à planifier des calendriers, surtout pour des sorties d’albums, qui m’a plus aidé côté professionnel. Foreign Rock Opera est un projet collaboratif avec de multiples intervenants et musiciens. Il faut tenir un calendrier hyper précis, connaître les emplois du temps de tout le monde pour savoir ce qui peut être enregistré, quand, et où. Ensuite, il faut penser au mixage et à la sortie de l’album. Et je pense que j’ai acquis ces réflexes à travers mes premières expériences, ce qui s’est ensuite avéré être une qualité dans ma fonction de logisticien, et non l’inverse.
Q. Gestion d’équipe et savoir-être relationnel | Ton rôle de logisticien t’impose de traiter avec une multitude d’interlocuteurs externes. Tes multiples projets mixent divers genres (Foreign Rock Opera, Raging Project, Amonya, Psychanoïa…) et font appel à une multitude de musiciens que tu dois manager avec tact, mais précision dans le cadre d’un “cahier des charges” musical imposant un suivi de la qualité. De plus, travailler avec une « pointure » telle que Amanda Lehmann (une virtuose de la guitare électrique) n’est pas donné à tout le monde. Tout comme gérer une équipe, des fournisseurs et des ego ? Comment t’y prends-tu ?
R. C’est complètement différent : côté musique, je pense que c’est plus compliqué, car au boulot, je fonctionne en autonomie et je pilote mes activités comme je l’entends, car je n’ai personne sous mes ordres, sans être solitaire, puisque nous sommes quatre approvisionneurs pour gérer tout le panel de fournisseurs de l’usine. Nous avons un chef de service et un chef de production logistique, mais nous sommes assez libres de travailler comme nous le souhaitons avec nos fournisseurs et avec nos transporteurs. Je m’occupe ainsi beaucoup de fournisseurs étrangers aux États-Unis, en Chine et en Inde. Le fait d’être en contact avec des musiciens étrangers, de ce point de vue, est un vrai «plus» au moins du côté linguistique, car l’anglais est de rigueur. Mais musicalement, il y a tellement de personnes et de cas à gérer, que c’est beaucoup plus compliqué, car je n’ai jamais été «chef de bande» ni véritablement un leader naturel. Je le suis devenu par la force des choses car j’ai choisi les musiciens avec lesquels j’ai joué. J’arrive à obtenir ce que je souhaite peut-être plus en usant de diplomatie et de pédagogie, par la compréhension des choses. C’est étrange, car je ne me sentirais pas de manager une équipe, alors que, musicalement, je le fais sans problème parce que je suis obligé de le faire. À choisir, je préférerais à la limite être simple chanteur dans un groupe et que quelqu’un prenne les décisions et effectue les démarches, pilote les séances d’enregistrement, etc.
Il peut arriver que je doive demander à un musicien de modifier telle ou telle interprétation. S’il s’agit d’une musicienne dont c’est le métier, comme Amanda Lehmann, ou de gens qui ont 30 ans d’expérience dans le milieu musical, je ne me permets pas de leur dire quoi faire. Je les ai choisis pour intervenir sur des morceaux spéciaux, pour lesquels j’avais une vision spécifique. J’ai simplement demandé à Amanda de retrouver le grain de voix qu’elle avait quand elle chantait avec Steve Hackett, sans se forcer. Une semaine plus tard, j’avais le résultat, une vraie pro ! Avec les musiciens amateurs, il y a eu aussi un déclic, car nous avons mené le projet de manière artisanale et tout le monde a joué le jeu. C’était très exaltant. J’ai pris des pincettes, mais tout le monde a été emballé par la démarche artistique.
Et du coup, je me suis improvisé chef de chœur, en apprenant au fil des sessions, comme un métier appris sur le tas, sur le terrain finalement. Côté boulot, c’est un peu pareil, même si c’est beaucoup plus rigoriste, par exemple, quand il faut recadrer un fournisseur pour l’amener à utiliser notre plateforme. Mais en faisant de la pédagogie, tout rentre vite dans l’ordre, une fois qu’on a compris leur fonctionnement, leurs contraintes éventuelles liées à de possibles pannes, et qu’on a fait l’interface avec les achats. On s’aperçoit que tout n’est finalement que de la capacité à communiquer. Dans un cas, il s’agit de fluidifier un processus créatif pour produire le meilleur morceau possible. Dans un autre, c’est un approvisionnement que l’on veut assurer à tout prix. Dans les deux cas, il faut mettre les formes. C’est de la résolution de problèmes.
Q. Capacité d’improvisation | Quand on apprend sur le tas, il y a peut-être la notion d’improvisation, de s’inspire de collègues, de se positionner dans un processus. De même que si tu pars sur une impro en musique, n’est-ce pas pareil, comme en jazz, un trompettiste qui partirait sur un riff pour voir où cela va l’amener, puis qui reviendrait au motif musical initial ?
R. C’est possible. De plus, j’ai fait beaucoup de jazz étant jeune, donc l’improvisation, je connais bien. Je pense qu’il y a de l’improvisation aussi côté boulot, surtout quand tu as de nouveaux fournisseurs avec lesquels tu n’as jamais travaillé et qui sont réputés comme étant difficiles en livraison, en communication. Donc, il y a une part d’improvisation pour tâter le terrain, savoir comment on va lui communiquer avec lui, et comment il va répondre aussi à nos sollicitations. C’est vrai qu’au départ, il y a une grosse part de tâtonnement. Cet échange me fait prendre en compte bien des choses en fait.
Q. Aptitudes rédactionnelles et pédagogie | Outre ton activité musicale, tu as aussi publié plusieurs ouvrages («Sans aucune ombre», «Une vie de compromis»…) et tu es chroniqueur musical pour divers blogs. Comment l’écriture est venue à toi et est-ce qu’il y a un rapport avec ton job ?
R. Je pense qu’il y a bien un parallèle et que c’est surtout la diplomatie. Par rapport aux chroniques, je ne « dézingue » jamais les groupes que j’écoute parce que je sais ce que c’est de composer, ce que c’est de jouer, la galère que représente la sortie d’un album. Donc, j’essaie toujours de trouver un truc positif. Et même en faisant une chronique mitigée, j’ai eu certains retours de groupes qui m’ont remercié de leur avoir fait prendre conscience de certaines choses. Côté boulot, j’essaie le plus possible d’aider les fournisseurs quand ils commencent à travailler avec nous, surtout par rapport aux process internes, et que ça arrive que les premières livraisons se fassent un peu l’arrache. Il faut donc communiquer, expliquer de façon constructive par mail ou à l’oral
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